作者：曲韵竹

　　今年，在小歌手工作室打工的人应该明显感觉到“活儿”变少了。起初“影视剧备案数下跌”“平台狂砍腰部项目”只是遥远的热搜话题，直到年底聚会增多，大家聊天时说起这一年都没怎么接到音乐节，危机感才真正蔓延开来。

　　长剧演员曾成群向直播带货迁徙，赚取天价佣金，那种熟悉的“潮水感”如今复现在了音乐节上。按照惯常逻辑，演员的下一个跨界风口也该是带货这类快速变现领域。音乐节不够赚钱，门票收入有限，艺人分账不高，不具备成为风口的素质。然而，这一次演员们不是为了赚钱而来。

　　角色缺少叙事力量，迫使演员讲述自己

　　时至今日，演员的职业属性已从“作品中心制”转向“用户中心制”，职业行为也从“参与作品生产”变成了“参与注意力生产”。新一代流量生花，没有不运营个人账号的，没有不“营业”的。所谓营业，就是用自己的真实生活去制造可讲述化内容，譬如拍摄旅行Vlog、定期上传照片、公开以演员个人视角出发的片场花絮……持续为粉丝掉落各种日常碎片，来进行自我叙事。

　　你会发现，演员维护粉丝关系的优先级，有时甚至高于维护渠道关系，这在过去是无法想象的。古装偶像剧生产高度流水线化，接A平台的戏还是B平台的戏其实都差不多，作品为王的时代过去了，剧集只是维持曝光的工具之一。有魅力的角色越来越少，角色不复杂，剧本缺少叙事力，演员难以借助角色获得注意。于是，演员不得不进行自我叙事。然后，一个奇怪的现象出现了，观众对演员喜爱的重点不再与角色强相关，而更多是演员本人可爱，人设时髦。

　　注意力争夺战

　　过去，沉默被认为是克制的美德，演员本该保持神秘感。现在，由于注意力流速极快，演员长时间不“营业”意味着在算法中失踪、被系统降权、被公众遗忘，神秘感反而成了风险。因为工作模式，演员一旦进入剧组（尤其是保密程度要求高的项目），公开曝光就会急剧减少，这是不可回避的真空期。所以代拍行业应运而生。起初，这是粉丝自发行为，后来才形成产业链，有专门的代拍团队、信息贩卖渠道、素材中转群。产业链发展至今，剧组已经会默许代拍行为存在，或暗中与之合作，演员甚至雇佣伪代拍制造虚假的“自然路透”。代拍早已不是非法泄露行为，而是隐秘的营销环节。在注意力争夺战中，剧组、演员、代拍、营销号，彼此之间形成了默契的共生关系。

　　这种前置化宣传提前透支了观众的即时快感，数不清多少作品的热度集中在路透期，播出后却无人讨论。剧集尚未播出，角色的解读权已通过几张造型照片被观众争夺了几个来回，这种纯粹的外观竞争让演员加倍陷入曝光焦虑，代拍时刻都在拍，演员也得时刻保持“被看”状态。

　　路透之所以盛行，本质也是因为观众对演员私域有真实的渴望。路透是过渡影像，展示演员成为角色的过程，“身着”角色时的气质变化和私人情感投射。角色也要与演员的公众形象互相映照，成为品牌叙事的一部分——每个演员都是“天选XXX（角色名）”。

　　更容易的“被看见”

　　演员们登上音乐节舞台的初心无法为外人所知。客观事实是，这些音乐节活动往往出现在演员的上一个剧组和下一个剧组之间，它既不需要综艺那样长期录制，也不像代言站台那么商业，演员只需短暂登台完成表演，就能重新激活公众记忆，为下一个作品周期蓄热。

　　在这里，观众对他们异常宽容，一方面因为台下粉丝居多，另一方面因为他们不是专业歌手，走调破音唱歌难听都可以是“萌点”，他们不是来秀唱功的，而是来秀一秀“真实的自己”的。选择翻唱哪首歌，演唱哪部本人代表作的OST，选择什么私服，什么风格的妆，无不代表着个人审美取向。通过这些自主决定，演员在非影视语境下重新定义着自己的公众形象，他们喘气、害羞、表情管理失败，观众反而觉得真实可爱。无论最终的演出效果如何，这些反工业、反精致、被允许的缺陷都丰富了人设，赋魅到本人。可以说，在音乐节舞台上，“凡所有事发生皆有利于我”，演员没有不应邀一次试试看的理由。

　　商业价值悬殊，演员对歌手降维打击

　　演员登上音乐节的潮流是从五一假期开始的。据“音乐先声”公众号不完全统计，今年参演音乐节的演员有三十余位，这些自带流量的明星改写了票房颓势，推动了新的旅游生态形成，让地方政府积极主动地给予主办方财政补贴。在这股浪潮中，行业资源开始阶段性重组。据搜狐新闻报道，一位演出设备租赁商曾透露：“现在音乐节的舞美预算，70%都倾斜给影视明星。”

　　不过，资源是有限的，有人进入就意味着有人退出。演员带来了话题、粉丝、文旅资源，将音乐节逐渐改造为城市营销项目。他们短暂歇脚，无害流动，却再分配了一切资源。

　　无效拉新

　　在以乐迷为主体观众的音乐节上，虽然多数人也是为大牌而来，但因为真正热爱音乐，他们常常意外地被开场乐队“圈粉”，这种被动发现是小众独立音乐扩大听众版图的有效途径之一。如果把观众换成“专注自家”“拒绝扶贫”的演员粉丝，即使名额仍在，演出照常，那条原本通向新听众的通道，多多少少也被堵塞了一些。

　　有一种观点认为，演员入侵音乐节也是“拉新”。在我看来，有效拉新应该是通过内容本身吸引新的受众。演员带来的粉丝群体与音乐节原生受众几乎没有重合，他们虽然让音乐节暂时“火”了，却并没有培养出新的音乐消费群体，这不是文化生态的增长。

　　潮水会在何时退去

　　对于演员而言，登上音乐节是维持热度的多种途径之一。对于专业歌手，尤其是尚未跻身主流的独立音乐人来说，音乐节是宝贵的曝光机会、重要收入来源、更是行业认可的上升通道。演员带来的资源再分配重构了歌手的职业价值和专业壁垒，音乐节的音乐性被稀释了，变成以音乐为背景的明星见面会。一群人排解焦虑、做自己，不应以摧毁另一群人更脆弱的生态为代价。

　　当下的内容工作者大概都有察觉，我们面对着一代极易感到厌倦的年轻观众。可以预见，如果演员在音乐节上的表演始终停留在人设展示层面，缺乏真正的舞台魅力，当演员唱歌的猎奇感消退，观众发现这些表演只是延伸的“营业”而非真正的音乐表达，这场跨界热潮必会冷却。

音乐节现场（图片源于网络）

　　音乐节之所以迷人，是因为一种现场信任，观众相信此刻无法复制，每场Live都独一无二，这种感受不仅是物理空间上的共处，也是情绪交换的真诚。如果表演者只是来露上一面，唱两首没那么擅长的歌，这种真诚是难以成立的。当然，在娱乐生态里，粉丝和偶像之间存在共谋式浪漫，即使什么都懂，粉丝也仍会继续买票前往。

　　如今在社交平台上，已有不少核心乐迷受不了粉丝应援偶像的方式，发起了“拒绝流量明星统治音乐节”的话题。我想，单纯地支持或反对都难以解决核心问题。跨界本身无罪，问题是以何种姿态登上舞台。演员虽不是专业歌手，也应尽量避免失误，不要可爱化、人设化这些失误，不要使用营销手段将事故转化为巩固粉丝忠诚度的独家记忆，要对舞台抱有敬畏之心。

　　世事瞬息万变，我无法断言这股浪潮是好是坏。或许演员们的到来会催生出新的演出模式，新的演出模式或许更综合、更开放，没有谁该来、谁不该来的界限，连虚拟偶像、游戏角色都可以登上同一舞台。站在第五次工业革命的早期阶段，一切人们想象中的嘉年华都可以实现。

　　无论影视还是音乐，当下从业者都是在流量与品质中间找平衡，与一百张脸擦肩而过，是为了对上一双有情的眼睛。

　　在这场浪潮中，有些演员曾经是歌手，却未能在那条赛道走红。对这类演员来说，出演音乐节更像是回归初心。有机会再次以歌手身份面对观众，唱歌给因为戏剧喜欢上自己的粉丝听时，那些未竟的遗憾或许能够被抚平。回忆起旧日追梦的时光，那应该也是很动人，很温柔的吧。（曲韵竹）

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