为深入学习贯彻习近平文化思想，牢牢把握新时代文化使命，弘扬社会主义核心价值观，加强新时代文艺工作者的职业道德建设，市文联近期举办新时代文艺工作者的坚守与担当系列对谈活动，邀请行业内知名专家、学者、艺术家进行对话交流，共同探讨新时代下如何繁荣新大众文艺建设，如何守护文艺工作的价值内核，如何做有信仰、有情怀、有担当的新时代文艺工作者。

　　对谈一：当文艺范遇见烟火气，让美好扎根生活

　　中国社会科学院研究员刘大先主持，中国国家画院画家申卉芪、电子管风琴演奏家王小玮、中国戏曲学院副教授胡娜作为与谈嘉宾，围绕“文艺范×烟火气：让美好扎根生活”主题，展开了一场关于艺术如何走进生活、走向基层、走进人民的对话，深度探索文艺与生活相融的路径与方式，为北京的文化生态如何注入鲜活的生命力。

　　申卉芪：真诚是画家的职业底色，人民是艺术的永恒坐标

　　中国国家画院专职画家申卉芪从绘画创作的本体出发，分享了她对文艺气质与生活气息之间关系的理解。她认为，所谓文艺范在某种程度上容易流于形式的刻意，反而在绘画中更需要强调那种源自生活、接地气的烟火感。

　　面对当下艺术创作中的某些现象，申卉芪提到，不少年轻创作者倾向于聚焦个人化的内心表达，作品中往往呈现出强烈的内向化倾向。她希望艺术创作能够超越个体的局限，触及更广阔的人文关怀，最终给人以心灵的慰藉与升华。创作观念从“小我”到“大我”的转变，不仅关乎艺术语言的探索，更体现了当代文艺工作者对文化使命的自觉与担当。

　　王小玮：从音乐殿堂走进百姓生活的身份蜕变

　　电子管风琴演奏家王小玮结合自身从专业音乐学习到广泛开展音乐普及实践，阐释了艺术走向大众的路径。她表示，自己的经历正是从学院派的音乐殿堂逐渐走入群众、贴近生活的过程，艺术的专业高度与生活的烟火气息并非对立，而是可以相互连接、彼此成就的桥梁。

　　随着数字技术的发展，她积极尝试通过网络直播等方式与观众互动，直播间中的及时反馈让她深刻认识到艺术与观众情感间的紧密关联。这种来自民间的、朴素而真诚的审美需求，恰恰是艺术创作与传播应当重视并回应的基础。文艺工作者不应忽视艺术本身的温度与深度，通过持续而真诚的交流，让高雅艺术更自然地融入日常生活，也让民间的生活气息为艺术创作注入更丰富的养分，从而在双向互动中实现艺术的传承与创新。

　　胡娜：做艺术与公众之间的“翻译者”与“架桥人”

　　中国戏曲学院副教授胡娜阐述了文艺工作者所肩负的“桥梁使命”，认为其核心职责并非将艺术束之高阁，而是致力于构建高雅艺术、优秀传统文化艺术与百姓日常之间的对话渠道。她结合行业发展指出，戏曲近年来戏曲领域积极推动艺术回归生活本源，通过走进胡同社区、广场园林商圈等百姓日常生活，开展多样态的戏曲演出与体验活动，实质上是让艺术重回其诞生与成长的土壤——人民之中。

　　面对数字化时代的传播环境，文艺工作者应主动学习、拥抱新媒体，深入把握挖掘群众的需求，线上线下结合，以专业、优质的内容积极参与网络文化生态建设，切实发挥艺术与公众之间的联结与引领作用。

　　刘大先：文艺的生命在于融入时代、扎根人民

　　文艺范与烟火气是艺术的一体两面：艺术既要有“文艺范”的审美高度，也要有“烟火气”的生活温度。二者不是对立关系，而是艺术表达的完整维度。真正的艺术作品应当既有美的形式，又有生活的质感。

　　文艺工作者的责任在于平衡普及与提高，既要避免“孤芳自赏”脱离群众，也要防止“一味迎合”降低品质。我们要在普及与提高之间找到平衡点，既要让艺术走近人民，也要用艺术提升人民的审美素养。当艺术真正融入生活、服务人民时，才能获得最持久的生命力。正如对话的主题“让艺术有烟火，让生活更文艺”，唯有将艺术创作融入时代洪流、扎根人民生活，才能真正发挥温暖人、鼓舞人、启迪人的力量。

　　对谈二：全民创作时代如何坚守文艺的价值内核

　　中国社会科学院哲学所美学室研究员刘悦笛担任主持，与新京报首席记者、北京摄协副主席薛珺，中国传媒大学教授杨洪涛，动画创作人张春景三位不同领域的实践者，展开了一场在“人人皆为创作者”的时代，如何定义专业文艺工作者，如何坚守文艺价值内核的深度对话。

　　薛珺：新闻摄影的“历史眼光”

　　薛珺凭借二十余年新闻摄影的实践经验指出，在人人皆可拍摄的时代，专业摄影工作者的核心价值，在于能否以历史的眼光观看并记录时代。她亲历了从胶片到数码的影像技术变革，深切体会到技术进步虽解放了创作手段，却并未消解专业精神的内在要求。在她看来，真正意义上的摄影，其价值远不止于对瞬间的捕捉，更在于通过影像构建叙事逻辑、留存历史文献、传递人文态度。

　　专业摄影应当实现现场在场的真实感与历史纵深的时间感相互统一。摄影者的角色，不仅是事件的见证者，更应成为为时代进行视觉编纂的叙事者。

　　杨洪涛：专业创作的“系统力量”

　　从影视创作与教育的专业视角出发，杨洪涛认为短视频虽具有即兴、便捷的特征，但真正的文艺创作离不开系统性的构思与建构。他指出，专业创作者的核心能力体现为对叙事结构的把控、人物的深度塑造以及价值观的引领。在普遍趋向碎片化表达的当下，具备完整体系和深度思考的作品反而展现出更持久的生命力。

　　优秀作品的价值要能经过时间的沉淀与检验，构建出跨越时间、打动人心的情感共鸣与精神内涵。面对微短剧的蓬勃发展，杨洪涛指出，应在正视其满足观众情绪需求的基础上，推动其从“投流”到“引流”的商业逻辑升级；从追求“爽感”到注重“质感”的创作升级；从侧重“走量”到注重“走心”的价值升级，从“同质化”到“”独特性”的内容升级，努力实现“微而不弱”“短而不浅”的表达，完成从情绪消费到审美体验的价值跃升。

　　张春景：文化表达的“当代转化”

　　技术手段可能随着时代发展而迭代，但文化中蕴含的精神脉络需要找到当代表达。在张春景的动画实践中，长征精神与传统美学被转化为现代视觉语言，通过将中国水墨、工笔重彩等元素与8K高清技术、互动叙事相结合，让历史题材在当代语境中焕发新的生命力。

　　他认为，在全球文化交流日益密切的背景下，构建一套蕴含中国美学特质、承载中国精神价值的动画语言体系，正是专业创作者实现文化使命与艺术价值的重要路径。

　　刘悦笛：文艺创作的“立心之本”

　　全民创作时代，文艺更需回归‘立心’之责。刘悦笛在对谈中指出，技术平权的普及不应带来价值判断的消解。他强调，创作的本质始终关乎心灵之间的对话与文明脉络的延续。在技术变革的浪潮中，对“灵韵”的持续追寻，正是专业创作者独特价值的体现。

　　生活美学的意义，并不在于将每个人培养为艺术家，而在于让文艺真正成为滋养日常生活的精神养分。职业道德的深层涵义，不仅体现在艺术技艺的持续精进，更在于对文化责任的自觉承担、对社会价值的积极维护，以及对创作初心的始终坚守。真正的文艺创作，从来不只是技术的展现和个人化的表达，更承载着社会的责任。

　　对谈三：“相声VS脱口秀：语言艺术的现代化表达与新大众文艺建设”

　　北京大学中文系副教授丛治辰担任学术主持，特邀中国广播艺术团一级演员、北京曲协主席李伟建，全总文工团相声演员陈印泉，单立人喜剧创始人石介甫三位艺术家，共同探讨语言艺术的传承、发展与创新路径，为新大众文艺建设提供思想碰撞与实践智慧。

　　李伟建：在兼收并蓄中坚守曲艺的文化根脉

　　作为相声艺术的传承者与教育者，李伟建从文化传承的高度阐释了传统艺术的时代价值。他指出，相声百年不衰的生命力在于其“兼收并蓄”的包容性——从吸收京剧、大鼓等传统艺术精华，到融合流行歌曲、影视元素，相声始终在与时代同步呼吸。“传统不是博物馆里的陈列品，而是流动在当下生活的文化基因。”他以《白事会》等经典段子为例，说明相声承载的不仅是笑料，更是中国人对生命礼仪、家庭伦理的深刻理解，这种文化记忆的传递是曲艺工作者的根本责任。

　　他强调，专业演员必须走“高精尖”之路，在提升表演技艺的同时深化文化修养。“我们教给下一代的不仅是‘说学逗唱’的技巧，更是曲艺作为‘本我艺术’的审美品格与精神气质。”他正在撰写的《中国曲艺表演体系》，正是在理论层面构建中国特色的表演美学体系。

　　陈印泉：以生活为源，在真实中传递时代温度

　　陈印泉从创作一线出发，提出了“讽刺不是目的，真实才是力量”的创作观。他认为，相声的讽刺传统应当与时代精神相结合，从单纯批判转向“发现现象、提炼共情、传递温暖”的创作路径。“艺术家的责任不是站在道德高地上指责，而是潜入生活深处，捕捉普通人的喜怒哀乐。”他近年来创作的“北京白话秀”，正是将相声的叙事技巧与脱口秀的即时互动相融合，在公园老人、医院故事、家庭关系等日常场景中深入观察，进行创作。

　　陈印泉特别强调艺术创作的社会责任感：“我们心里要装着大众，作品才能走进人心。”他反对为追求流量而刻意制造对立，倡导在笑声中传递理解与包容。近期他创作的关于“照顾患病家人”的段子，既真实呈现家庭照护的艰辛，又幽默表达亲人之间的深厚情感，在观众中引发强烈共鸣，体现了文艺工作者观照现实、温暖人心的职业操守。

　　石介甫：从情绪表达到价值建构，推动脱口秀走向成熟

　　作为脱口秀行业的早期开拓者，石介甫从行业发展的角度阐述了对脱口秀本土化实践的思考。他认为脱口秀与相声虽然同属语言表演艺术，但在表现形态上脱口秀更注重真实关系的建立与个体化表达的实现。当表演者以平等姿态与观众展开对话时，这种互动本身便构成了独特的现场感染力。

　　与此同时，他也强调脱口秀不应局限于表层调侃或尖锐冒犯，而应回归喜剧的本质——那是一种直面生活的态度，而非回避现实的消遣。面对行业的快速扩张，石介甫提出需要构建系统化培训机制、建立专业标准、引导正向价值。

　　在石介甫看来，优秀的脱口秀演员不仅需要具备娴熟的表演技巧，更应培养逻辑思辨的深度、人文关怀的温度与社会观察的锐度。他特别指出，脱口秀表演应当传递积极的生命态度，让观众在笑声中获得情感共鸣与精神激励，这种创作理念也呼应了新时代文艺工作者应有的文化自觉与职业追求。

　　丛治辰：在传统与创新的对话中构建新时代语言美学

　　丛治辰从文艺理论视角提出，相声与脱口秀的对话实质上是“中国传统叙事智慧与当代表达方式的创造性相遇”。无论形式如何变化，“与时代同步、与人民同心”始终是语言艺术的生命线。他强调，文艺工作者应当具备将个人体验升华为时代情感的能力，在“小故事”中呈现“大时代”，在“轻表达”中传递“重思考”，艺术的最高境界不是形式的新奇，而是直抵人心的力量。

　　活动中，陈印泉一段融合北京生活气息的脱口秀表演让现场观众在笑声与思考中感受到了语言艺术的当代魅力。这不仅为相声与脱口秀的融合发展提供了新思路，也为新时代语言艺术的创新实践注入了新活力。

　　对谈四：对话·新文艺——我们为什么做戏剧

　　中国社会科学院文学所研究员、北京评协副主席陶庆梅作为学术主持人，与北京戏剧家协会副主席方旭，开心麻花演出事业中心版权与产品中心总经理洪晔，北京鼓楼西戏剧副总经理李国杰，以及话剧九人创始人朱虹璇四位业内知名专家、艺术家，围绕戏剧人的“初心”，共同探讨戏剧艺术的当代价值、创作坚守与发展路径。

　　方旭：人与人的交流永远是核心

　　方旭以“京味儿”戏剧创作经验为切入点，深入阐释戏剧艺术的本质特征。他强调，尽管舞台形态和表演空间不断变化，但戏剧最核心的魅力始终在于“人对人的现场交流”。从早期小剧场的亲密体验到如今大剧场的宏大叙事，方旭认为真正的突破不在于规模扩张，而在于能否建立演员与观众之间“呼吸相通的能量场”。他特别指出，在数字时代，这种面对面、即时性的情感连接显得尤为珍贵，构成了戏剧不可替代的艺术价值。

　　方旭表示，戏剧演出不应被视为简单的重复表演，而应看作是每一次与观众重新建立情感连接的过程。他认为，戏剧工作者应当怀揣敬畏之心，珍惜与观众共度的每一个现场时刻。

　　朱虹璇：内容引领需要长期坚持

　　朱虹璇分享了从企业管理者到戏剧创作者的转型历程，提出了“内容引领”的创作理念。优秀的内容需要时间来沉淀和验证，戏剧创作要有“坐冷板凳”的耐心，在长期坚持中形成自己的风格和影响力。朱虹璇指出，团队建设是艺术创作的基石。一个长期稳定的创作团队能够在持续合作中形成默契与共识，这种基于共同艺术追求的创作环境，是产出具有深度和温度作品的坚实基础。戏剧创作不仅是个人表达，更是集体智慧的结晶。

　　洪晔：用优质作品回应时代需求

　　洪晔从产业角度分析了戏剧市场的发展趋势，提出了“用优质作品回应时代”的创作原则。她指出，随着观众审美水平的提升和娱乐选择的多样化，戏剧创作必须回归内容本身。洪晔在发言中强调，开心麻花始终将优质内容作为创作的核心准则。无论是基于传统IP的改编创作，还是全新题材的原创开发，每一个作品都需要经历反复推敲和精细打磨的过程。

　　李国杰：在传承中寻找创新突破

　　李国杰结合鼓楼西剧场的发展经验，探讨了戏剧艺术传承与创新的辩证关系。他表示，十二年来鼓楼西始终坚持“艺术品质为根本”的原则。选择作品时，既要注重作品自身的艺术价值与独特性，也要充分考虑到当前观众的审美需求和接受程度，力求在艺术追求与观众期待之间找到平衡点。

　　他表示，鼓楼西剧场不仅承担着演出功能，更致力于成为戏剧文化传播与交流的重要平台。通过举办公开剧本朗读会、戏剧创作工作坊等活动，积极展现戏剧创作的幕后过程，帮助公众深入理解戏剧艺术，提升艺术鉴赏能力与审美素养。

　　陶庆梅：戏剧的价值在于连接时代与人

　　在数字化浪潮冲击下，戏剧艺术面临着前所未有的挑战，但也迎来了新的发展机遇。真正的戏剧价值在于能够建立人与人之间真实的情感连接，传递时代精神，激发思想共鸣。她呼吁戏剧工作者在保持艺术本心的同时，也要积极拥抱变化，用创新的表达方式让戏剧艺术在新时代绽放更加璀璨的光芒。

　　在这场对话中，我们见证的不仅是对“我们为什么做戏剧”的集体回答，更是对艺术本质与文艺工作者使命的时代回应：艺术的生命力，深植于职业道德的沃土，绽放于艺术创新的枝头，最终与观众间搭建起温暖而深刻的情感共鸣。