一片匠心在瓷壶
——访青年艺术家苗磊
壶，作为日常生活中不可或缺的器物，在陶瓷造型史上有着重要地位。
一把壶就是一个包容万象的小天地，也成就了青年艺术家苗磊想象与创作的无限空间。
2015年初，苗磊开始考察与学习宋代“五大名窑”，深入到各个窑址，完成了汝窑、官窑、哥窑、定窑和钧窑五个窑口的瓷壶创作。
从此，瓷壶成为苗磊进行艺术创作的主要载体。
《“五大名窑”之瓷壶创作》 工艺美术
壶，作为陶瓷造型史上一个重要器型，其产生及发展过程反映了人们认识自然、改造自然并进行艺术创作及再创作的历程。随着人们生活习俗、审美意趣及品味的不断提高，瓷壶的造型及功能也不断发生演变。为了更好地继承和弘扬中国传统制瓷工艺，苗磊运用传统的制作工艺结合自己的审美追求，逐渐产生了“以瓷壶为载体，深入各个瓷区，就地取材进行创作”的想法。
“中国地大物博，材料和工艺的差异形成了众多地域特征明显的窑口，我想把各个窑口特有的‘陶瓷地方语言’运用于自己的创作中。”苗磊谈到自己创作的《“五大名窑”之瓷壶创作》的初衷，便是以瓷壶为载体，以宋代“五大名窑”的制瓷技艺及宋瓷特点为基础，进行瓷壶制作的传承和创新。
尽管学术界对宋代“五大名窑”艺术成就的排名各有看法，但对于每位陶瓷创作者而言，“五大名窑”这一名词，除了学理上的认同感外，已成为传统陶瓷艺术成就约定俗成的指代之一。
“钧窑丰富的釉色变化，官窑釉面肥润如脂的质感，汝窑‘雨过天晴云破处’的天青色，哥窑开片后形成的‘金丝铁线’，定窑温润的象牙白釉色……”苗磊说起“五大名窑”来头头是道。
然而，如何在瓷壶作品中展现出不同的窑口特色并非易事。陶瓷拥有自身的工艺特征，在具体制作过程中，使用的泥釉料不同，相应的工艺也不相同，制作手法也要进行相应的调整。
自2015年初，苗磊开始对宋代“五大名窑”进行考察，实地了解各个窑口的陶瓷表现形式及现状。他在窑口驻地生活、创作数月，收集并熟悉每个窑口的泥釉料，研习相关作品的样式和纹理。在此基础之上，再配对适切的壶型，依照材质特性，不断更换或改进古法制作方式，完成上釉和烧成。
《“五大名窑”之瓷壶创作》 工艺美术
最后出炉的每把壶，既带着传统制式的印记，又焕发出全新的面貌。看似与传统器型或釉色差异不大，但在制作过程中因不断注入思考和实践的技艺，实则赋予了作品珍贵的内涵价值。
如，在定窑，从采集矿石、敲碎、淘洗到研磨、装袋陈腐和揉泥制作，苗磊均一一反复实践；为了达到与定瓷釉色相融的效果，他还自制了十几把刻刀，来实验最易与瓷壶壶身相衬的莲花荷叶纹饰……
“因为有对古代制瓷传统的深刻研究，苗磊的作品显得愈加老练而凝重。每一件作品显然都是经过他的深思熟虑的，每一个壶体造型的起伏转折和釉色选择把握，都在冥冥中助力这个年轻陶艺家的成长。”中国工艺美术学会雕塑专业委员会委员、江西省文化艺术发展促进会理事邵长宗在评价苗磊的作品时称，在轮制与手工结合的制壶工艺的学习与实践中，苗磊无疑已经创造了属于自己的个体语言，敦厚、稳重又不失釉色的灵动。
《“五大名窑”之瓷壶创作》 工艺美术
在创作过程中，苗磊不断对器型流变、色彩审美心理、材料与人的亲和度、器物触感和人体工程学等方面进行研究。“瓷器是审美对象，也是人类生活的必需品。”苗磊说，随着饮用习俗的变化，壶的适用性也在发生改变，茶壶这一单品的变化尤其明显。为此，他系统研究了茶叶饮用法的变迁及不同品类的茶的饮用方式，有针对性地设计了适合各种茶叶冲泡的多种壶型。
在耐心的创作沉淀下，苗磊的瓷壶成了一个变化无穷的方阵。泥料、釉色、窑温，样式、纹理、器型，比例、线条、质感，种种元素在苗磊的心中和手中进行着奇妙的排列组合。每把壶的背后，都形成了一个关于传统技艺、当代审美和匠人之心的故事。
一壶一路，以致匠心。当回归瓷壶最初的泥性，理解和阐释泥土在高温中质变的过程时，匠人精神也已慢慢注入其中。从苗磊的作品中，不光有他对创作媒介的透彻理解和对材质特性的思考运用，同时，他也在不断探寻器物的实用性与艺术性相融的各种可能性。以瓷壶为载体，苗磊希望日后能对材料、造型和釉色变化有更深的理解，创造出不同特征、个性、风格与类别的作品。
十多年的瓷壶制作历程，苗磊将之看作是“自我蜕变的过程”。他把自己看作是与泥、火、釉打交道的手工劳作者，把劳作作为自我思辨与修行的基础与手段，“自己与瓷已经无法分割”。
（光明网记者贺梓秋采访整理）
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