对话人：陈维亚（舞剧编导） 张千一（作曲家） 王 瑨（人民日报记者）

　　25年，2000场，10代“莫高”，12代“月牙”，巡演31个省份、23个国家……舞剧《大梦敦煌》将文华奖、荷花奖、“五个一工程”奖等国家级艺术奖项收入囊中，也让敦煌的飞天衣袂成为共通的审美语言。25周年纪念版《大梦敦煌》在国家大剧院演出之际，我们邀请该剧两位主创以《大梦敦煌》创作为例，解读中国当代舞台艺术的生产与传播。

《大梦敦煌》剧照。（冯爽／摄）

　　记者：回忆这部舞剧的创作之初，《丝路花雨》珠玉在前，《大梦敦煌》如何能够做到独特？你们的创作灵感来自哪里？

　　陈维亚：我们当年多次深入敦煌采风。是残缺的飞天，教会我们如何用舞姿诠释不朽。想象千年前顶着小油灯，在洞窟里仰面作画，一画就是一辈子的画匠，让我们的创作思路从壁画转到画壁画的人。

　　《丝路花雨》的最大贡献是再现，它把敦煌壁画跳活了，开创了“S形”“三道弯”的敦煌舞，是中国民族舞剧的典范。《大梦敦煌》的创作任务是“人”，编排此时此刻、此情此景的“这个人”的舞蹈。讲述“人”的故事，的确成为这部作品超越时代、打动不同文化背景观众的关键。

　　张千一：我们不是在复刻经典，而是在用今天的呼吸唤醒文明基因。《大梦敦煌》努力从戏剧和人物的开掘角度、艺术表现的拓宽视野，再向前走一步。这两部作品都有不可替代性。

　　记者：《大梦敦煌》融合多种风格的舞蹈，重构敦煌元素的舞美设计，实现“敦煌风”的现代交响。你们如何将丰富多元的元素和谐地统摄于一个主题之下？

　　张千一：与敦煌相匹配的，是既有声场力度又有声音色彩的音乐。敦煌古谱给舞剧音乐创作带来更丰富的想象。我将民族器乐作为视听“向导”，琵琶轮指交织出虚拟的沙粒音色，笛子、板胡声与鼓点共振出丝路盛景的活力，筝、埙等传统乐器使苍凉悲壮的故事更加震撼人心。

　　这部剧把交响乐和民族性融合在一起，时隔25年再听，我们的坚持是对的。对传统有信心，创作也会有定力。

　　陈维亚：《大梦敦煌》追求独特、有感染力的戏剧形象，而非为了单一舞种风格服务。《大梦敦煌》没有一个舞段是纯表现性的，每一段都不可或缺。即便是色彩，也与人物行动有关。男主人公莫高在沙漠濒临死亡，黑色飞天出现了；爱情升华，彩色飞天出现了；追杀情节，红色飞天出现了；最终壁画完成，金色飞天出现。

　　尤其是结尾，女主人公月牙牺牲化作清泉，蓝色飞天出现了，莫高以泉润笔，在悲痛中完成飞天壁画创作时，不少观众泪流满面。敦煌千年的孤寂与绚烂，在这一刻击中人心。

　　记者：25年来，《大梦敦煌》演出不断、打磨不断。锻造舞剧经典，如何把握传承与创新的关系？

　　张千一：经典的舞剧必须有经典的音乐。外国舞剧《天鹅湖》《胡桃夹子》，中国舞剧《白毛女》《红色娘子军》等，其音乐都是经典。

　　一开始写《大梦敦煌》的音乐时，男主人公叫“画工”，女主人公叫“窟主的女儿”。很长一段时间里，我困惑于如何将音乐写得博大。剧本重新梳理后，男女主人公改叫莫高和月牙，地域符号与人文情怀高度契合。当我带着莫高和月牙的爱情主题音乐走出兰州宾馆的房间时，唱着唱着流下了眼泪，那是从灵魂深处流淌出来的旋律。

　　陈维亚：舞剧精品是“演”出来的。《大梦敦煌》绝大多数是商演。每演一次，都会复盘一次。作品经历了无数次小改动，四五次结构性变动。比如，2018年，我们增加了莫高乔装打扮，随着民间艺人表演队伍参与招亲的情节，目的是强化戏剧冲突。再比如我们在第二场增加了飞天长绸琵琶女的表演，强化快乐氛围。每一处改动，都是从观众的角度去审视的结果。

　　25周年纪念版演出的舞台采用了雕塑幕布景，高度还原了敦煌的真实场景。如今台上莫高的扮演者，在当年《大梦敦煌》首演时刚刚出生一个月。那些曾在黄河剧场走廊踮着脚看戏的少年，如今带着子女走进剧场。所谓精品，不过是无数人将生命化作一盏盏灯，只为照亮文明长河中的一程。

　　敦煌在风沙中守望，《大梦敦煌》的足音已行进在下一个25年的路上。